話劇作為一種舶來品，在北京人藝72年的發展歷程中，經歷了深刻的民族化探索與轉化。在郭沫若、老舍、曹禺等文學巨匠的引領下，以及焦菊隱、林兆華、于是之、鄭榕、藍天野等藝術家的演繹中，北京人藝不斷從人民群眾的生活中汲取靈感與素材，逐步形成了獨具特色的“北京人藝演劇學派”，擁有深厚的精神傳承。《茶館》《雷雨》《日出》等經典劇目久演不衰，至今仍深受觀眾喜愛。

“劇本劇本，一劇之本。”北京人藝與郭沫若、老舍、曹禺三位文學巨匠有著密不可分的情誼，曾有“郭老曹”劇院的美稱。老院長曹禺先生創作的《雷雨》《日出》等作品閃爍著人性之光；老舍、郭沫若兩位先生則專為北京人藝創作了《茶館》《蔡文姬》等劇目，他們三人為北京人藝日后的藝術創作樹立了豐碑，也成為其風格的奠基人。

他們創作的這些中國故事經由北京人藝二度創作搬上舞臺，在深入生活、體驗生活的基礎上，融入了鮮明的民族特色，結合了獨特的京味兒風格，又在幾十年的薪火相傳中不斷繼承發展獨有的魅力，打磨成北京人藝的看家戲，同時造就了一批德藝雙馨的藝術家，引領了一代又一代觀眾的審美。

郭沫若、老舍、曹禺為北京人藝演劇風格奠定了文學基礎

1956年8月，老舍將一個歌頌人民當家作主的劇本初稿帶到北京人藝。劇本從戊戌變法開始，一直寫到新中國成立后，主線是主張實業救國的秦仲義的故事。當時的老院長曹禺、總導演焦菊隱等一致認為，第一幕寫清末一家茶館的戲非常生動精彩，建議以此為基礎，發展成一個通過茶館變遷反映整個社會、時代風云變幻的劇目。老舍欣然接受建議進行修改，誕生了《茶館》劇本。

《茶館》中人物眾多，跨越三個不同時代，為主創提供了廣闊發揮空間，但同時也為二度創作帶來巨大挑戰。譬如，老舍最初劇本中并未包含“大傻楊”這一角色。劇本共分為三幕，每幕相隔二三十年，如何使觀眾能夠迅速適應這種時代變遷，更好地理解劇情，成了一個難題。若采用畫外音解說，會破壞全劇風格；若通過人物之口介紹，又會損害老舍精美的語言。焦菊隱帶領主創們集思廣益，最終決定在幕間加入一個“數來寶”角色，這一靈感來源于“樂師”“說書先生”，按照這個構思，老舍很快創作出“大傻楊”這一角色以及三段快板場詞，“大傻楊”既作為報幕者，又是劇中人物，他的表演將三幕戲的劇情巧妙地串聯起來。

人物又是如何在舞臺上鮮活起來的呢？秉承著“從生活出發，從人物出發”的藝術原則，演員們“下生活”，對角色進行深入觀察。飾演王利發的于是之認為，生活中的細節能幫助演員獲得角色可貴的自我修養。“王掌柜貼東西手上難免黏上糨糊，就不能碰自己的衣服，于是我兩只手只好挓挲著，這讓我想起小時候一位鄰居，他身上的勤儉、麻利和雖貧窮、低微而又十分講究整潔的各種特點，也豐富了我的‘王掌柜’。”

1958年，《茶館》首演，收到良好反響；1980年，《茶館》遠赴德國、法國、瑞士演出，贏得外國觀眾熱烈歡迎，實現了中國話劇首次“出海”，被譽為“東方舞臺上的奇跡”。如今，《茶館》已上演六十余年，累計演出超700場，每次上演都成為京城文化盛事。回顧《茶館》的誕生歷程，可以說它是老舍與北京人藝共同孕育的結晶。老舍在創作過程中不斷得到北京人藝藝術家的啟發和鼓勵，他擅長刻畫人物，語言詼諧、洞察犀利，為《茶館》構建了堅實骨架。導演焦菊隱則憑借對戲劇藝術的獨特見解和審美，帶領一眾創作者一起為《茶館》創造了諸多“教科書”級別的經典場景，賦予劇目鮮活血肉，并為打通氣脈、注入精氣神。他在現實主義表導演手法中融入傳統戲曲的表現手法，使《茶館》更具民族特色和詩意的韻律感。北京人藝的演劇風格在《茶館》中得到了充分展現，而這種風格也成為中國戲劇藝術的一面旗幟。雖然《茶館》也被其他劇社改編或演繹成多種藝術形式，但北京人藝所沖泡的這一杯“茶”，經過時間的醞釀，凝聚出的香韻渾厚、余味悠長，始終令人難以忘懷。

于是之、鄭榕、藍天野等老藝術家的“接力棒”一直在傳遞傳承

《茶館》歷經了北京人藝兩代藝術家的薪火相傳。從1958年至1992年，導演焦菊隱攜主演于是之、鄭榕、藍天野等老一輩藝術家，將《茶館》推向戲劇藝術的高峰。1992年，北京人藝建院40周年時，第一代“茶館人”宣告謝幕，他們在舞臺上向觀眾鞠躬致謝，觀眾拉起“戲魂國粹”的橫幅向他們致敬。《茶館》承載了一代人的情感記憶，讓所有熱愛它的觀眾深感不舍。

二十世紀90年代，隨著影視劇等流行文化興起，戲劇藝術“遇冷”，北京人藝也面臨著新老交替的考驗。“第一代“茶館人”謝幕后，《茶館》將由誰來接棒？觀眾還會買賬嗎？”這些問題成為業內關注焦點。在此關鍵時刻，導演林兆華帶領梁冠華、吳剛、濮存昕、馮遠征、何冰、楊立新等新一代演員握住了《茶館》接力棒。面對前輩留下的藝術瑰寶，林兆華準備了多套排演方案，年輕演員們也承受著巨大壓力。馮遠征回憶，接到劇院通知出演《茶館》時壓力很大，一度想要拒絕，“但我們這代人肩上有義不容辭的重任”。1999年，由新一代演員出演的《茶館》頂著重重壓力在世紀之交和觀眾見面了。

自1999年至今，《茶館》又走過了二十余載春秋。隨著二代演員的更替，幕后的舞美工作者也完成了代際傳承，無論是臺前還是幕后，第二代“茶館人”都秉持著前輩們“戲比天大”的信念，經過多年舞臺打磨，不僅將《茶館》繼承下來，還演出了自己的個性特色。如今，北京人藝《茶館》每逢上演便一票難求，他們的付出與努力得到了認可，獲得了成功。

與《茶館》一樣受歡迎的，還有《雷雨》。1934年，曹禺所著劇本《雷雨》發表，震撼了戲劇界。1954年，北京人藝上演由夏淳執導的《雷雨》，受到廣泛好評，此后，蘇民、鄭榕、朱琳等老一輩藝術家都曾出演這一版《雷雨》。在《茶館》中飾演常四爺的鄭榕，當年在《雷雨》中扮演周樸園。鄭榕對角色的認識和創作，經歷了一段漫長變化的過程。“五六十年代，我想突出說明誰是《雷雨》的罪人，有意識地把人物態度變得強硬起來，與侍萍的相認表現得冷酷無情，與魯大海表現得沒有一點父子之情，結果導致表演上的概念化。”通過與觀眾的不斷交流，以及對生活的深入感悟，鄭榕對周樸園有了新的理解：“‘相認’這場戲，既然承認周樸園年輕時對侍萍的愛是真誠的，為什么一定要讓他們再見時如臨大敵呢？”他在原先演出周樸園“惡”的一面的基礎上，又加入了周樸園作為“普通人”的一面，一個更加豐滿生動的“周樸園”得以誕生。

今年是北京人藝上演《雷雨》70周年，70年來，《雷雨》就在北京人藝藝術家們這樣不斷地自我審視、解讀調整中，持續走向觀眾。

《雷雨》同樣經歷了傳承。1989年，《雷雨》迎來了新老演員的交替，顧威出演周樸園，濮存昕以及剛從北京人藝學員班畢業兩年的吳剛飾演周萍，還在中戲學習的龔麗君飾演蘩漪。1997年起，顧威接過了導演的重任。2004年，劇組再次完成傳承交接，楊立新出演周樸園，王斑飾演周萍，龔麗君則繼續留在《雷雨》中出演蘩漪，80后年輕演員開始加入，老藝術家們與新演員面對面交流，傳授表演經驗。今年北京人藝迎來建院72周年，當年在《雷雨》中飾演“大少爺”的濮存昕早已晉升為“老爺”角色。濮存昕不僅執導了新版《雷雨》并出演周樸園，還特邀曾經的“四鳳”白薈出演新版蘩漪，而演出30余載蘩漪的龔麗君則變成了“侍萍”。

經典作品在每個時代煥發出不同風采，當下更是生機勃勃

經典不是一成不變的。每一個時代的戲劇，都有新的“寫法”，經典作品需要不斷被“擦亮”，其魅力才能穿越時代熠熠生輝。北京人藝歷史上，幾乎每隔20年就會重新排演一次《日出》，創作者們在持續的演出實踐中，不斷捕捉時代特征，探索與當代觀眾溝通的橋梁，使得各個版本的《日出》都歷久彌新。

曹禺先生的《日出》創作于20世紀30年代。1956年，首都劇場落成并正式交由北京人藝使用，其開幕大戲便是由歐陽山尊執導的《日出》，這也是北京人藝的首版《日出》。1981年，北京人民藝術劇院以全新陣容再次排演《日出》，導演刁光覃著重突出了陳白露的三段關鍵戲份，并在舞臺布景上進行了創新嘗試。進入21世紀，導演任鳴分別于2000年和2010年推出了兩版《日出》。2000版《日出》巧妙地將手機、電腦、人頭馬、流行音樂和時尚服裝等現代元素融入舞臺，任鳴認為，《日出》中的人物都是社會角色的縮影，如老板、飯店侍者、工人等，這些角色在任何時代都存在。時代變遷，服飾和語言習慣或許會變，但人性的本質始終如一。他希望觀眾能通過當代元素更好地與劇作產生共鳴。2010年，為紀念曹禺先生百年誕辰，任鳴再次排演《日出》，這一次他更多忠實于原著，在劇作主題、舞臺布景、人物服裝、音樂等各個方面都貼合原著時代，最大限度傳承和發揚曹禺先生的創作精神。

2021年，由馮遠征導演的新版《日出》在北京人藝的新劇場——北京國際戲劇中心·曹禺劇場冉冉“升”起。在深刻理解原作的基礎上，新版《日出》追求“新”與“突破”。從原劇本出發，通過意象化和夸張化的手法，強化劇本的思想深度和表演感染力；在敘事結構上大膽創新，以方達生的“尋找”為線索，通過他的視角展開整個故事。劇中大膽起用95后演員擔綱主演，以更具概括性和表現力的形象和影像，豐富人物表達，捕捉人物內心世界。舞美設計方面，突破傳統，舞臺由三部分構成：兩側各立一道外八字打開的投影紗幕，中間是一道異形處理的實體大理石墻，一條緩緩游動的金魚投影其上，象征著劇中人在狹小空間中的無助與彷徨，直至生命終結。在陳白露和小東西自殺的情節設計中，運用實時攝影技術捕捉演員面部表情特寫，讓觀眾對劇中人物的命運產生深切同情和感慨。而“日出”的舞臺呈現，則是通過大理石翻轉后露出的82盞筒燈匯集而成，如同日出時分穿透窗戶的陽光，照亮舞臺每一個角落。

新版《日出》以更廣闊的藝術視野為經典作品注入當代元素，融合現代科技手段，傳達著現代創作者對經典的全新解讀。導演馮遠征在2000版《日出》中飾演方達生，如《雷雨》《茶館》一樣，北京人藝的藝術家“演而優則導”“退休不退崗”，這種傳、幫、帶也成為傳承經典、“擦亮”經典的法寶。

在包容、吸收西方戲劇文化的同時，北京人藝以民族藝術的優秀傳統和美學為根基，從人民生活中汲取靈感，注重本土觀眾的審美需求，創作、傳承了一部部經典劇目，從舶來品到民族化，從引進到出海，中國的戲劇舞臺擁有了屬于自己的“看家戲”。

（作者：戴晨，系北京人藝戲劇博物館副研究館員，北京戲劇家協會會員）