韓真（左）和周莉亞（右）

《沙灣往事》首演：2014年 演出團體：廣東歌舞劇院

《杜甫》首演：2016年 演出團體：重慶歌舞團

《花木蘭》首演：2017年 演出團體：寧波市歌舞劇團

《永不消逝的電波》首演：2018年 演出團體：上海歌舞團

《詠春》首演：2023年 演出團體：深圳歌劇舞劇院

只此青綠——舞繪《千里江山圖》首演：2021年 演出團體：東方演藝集團

2014年，一部《沙灣往事》，讓廣東番禺沙灣古鎮里“何氏三杰”的故事，以舞蹈的形式走到了全國觀眾眼前。周莉亞、韓真這對中國舞蹈界的編導“雙子星”，亦從此出發，開啟了創作“爆款”舞劇之路。

隨后，《杜甫》《花木蘭》《永不消逝的電波》《只此青綠》四部精品舞劇逐一面世。“《電波》春晚亮相”“青綠腰刷屏全網”的同時，無數觀眾因她們的作品走入劇場。2022年，《只此青綠》登頂全國演出票房榜榜首。

2023年，周莉亞、韓真攜最新作品《詠春》歸來。這一次，她們講述了一個生命力十足、關于“平凡人英雄夢”的大灣區故事。

光陰寸隙流如電，周莉亞表示，“十年，對于創作者來說只是很短的時間”。新添了廣東歌舞劇院藝術總監一職的她認為，嶺南題材舞劇大有可為。她期待創作者們能秉持“用一段人生澆灌作品”的初心面對舞臺，也希望行業土壤能夠更加豐厚，讓舞蹈藝術獲得可持續的生命力。

在世界舞蹈日前夕，周莉亞接受了羊城晚報記者獨家專訪。

十年歷程，從嶺南古鎮到大灣區

羊城晚報：從嶺南題材出發，再回到嶺南題材。《沙灣往事》《詠春》兩部舞劇作品間是否存在某種變化或遞進關系？

周莉亞：變化很多，首先題材不一樣，作品中呈現的嶺南氣韻就會不同。《沙灣往事》里的嶺南，非常溫婉、帶有濕潤的氣息。《詠春》里的嶺南，有非常強的生命力。

另外，做《沙灣往事》時，我們要走進何氏三杰所處的那個時代，把那個時代里的嶺南建筑、民俗、音樂等呈現在舞臺上。在《詠春》里，我們用當下的角度重新解讀過去的歷史，與之對話。《詠春》里“大灣區”的概念更濃：深圳電影制片廠、葉問初到香港、葉問對故鄉佛山的回憶等都有呈現。通過這兩次創作，我們也更全面地了解了嶺南文化。

羊城晚報：跨越了十年之后，你們在創作心態上有什么不一樣？

周莉亞：《沙灣往事》是我和韓真創作的第一部舞劇作品，也是黎星、李艷超主演的第一部舞劇作品，是我們所有人的“初戀”。我們傾其所有，把自己所有的感受和積累都放在了這次創作里，所以直到現在，遇到有紀念意味的場次，比如100場，我們大家都會回去。

《詠春》是我們十年來的第六部作品。這十年里，我們一直在積累和改變，不管是創作手法上，還是我們對于文化的認知和感受上，都希望能突破自己。另外，現在的演出市場和整個舞劇行業，相比較《沙灣往事》時期，也收到了更多關注，這時再來創作《詠春》，有更多責任、使命和擔當的意味。

羊城晚報：獲聘廣東歌舞劇院藝術總監，你與該團延續了自《沙灣往事》以來的緣分，有哪些合作計劃？有哪些嶺南題材的舞蹈作品意欲發掘？

周莉亞：我們目前在大方向有了一些共識，比如平臺架構的調整、搭建與專家和藝術界的橋梁、建設人才梯隊、傳播制作經驗分享等等。在藝術創作上，我也會在不影響主力創作者的基礎上，給出我的意見。至于嶺南題材的舞劇作品，我覺得有太多可以做的了。有了《沙灣往事》《詠春》的創作采風經歷，我覺得嶺南這片土地上的文化是非常豐富和深厚的。

它最難能可貴、最有特點的地方在于中國傳統文化里的好多元素保留得非常好。同時，傳統與現代在這里撞擊，又有了融合和新生。我也發現，基于嶺南文化創作的藝術作品感染力非常強，《雄獅少年》《一代宗師》等電影都很受歡迎，過年的時候，我也刷到了各種英歌舞短視頻。

羊城晚報：著眼于廣東的現實條件，怎么樣在現有的土壤上再發展、再進步，開更多的花出來？

周莉亞：首先，創作者本身要有內驅動力——當面對一個創作題材時，我們應該真正靜下心來感受、挖掘這個題材背后的文化和精神內核，而不是用創作慣性或所謂的專業技法，把它當任務一樣“噼里啪啦”地完成。

外驅動力也很重要，大家應當對藝術的創作規律有認知和尊重——一個真正好的作品，需要長時間的孵化和打磨。尊重藝術創作的純粹性，才能夠得到作品、市場和觀眾的回饋。

還要關注作品的可持續性，“土壤”要夠厚：優秀演員的引進、階梯式培養，舞美團隊、管理團隊、宣傳團隊的培養都至關重要。

羊城晚報：所以，對于當下的舞劇導演來說，舞臺之內要考慮很多，舞臺之外要考慮更多。

周莉亞：對。影視領域有制片人機制，演出領域也亟須專業的制作團隊。我所說的“土壤”是需要整個行業一起努力的。當我們有了專業的制作人、成熟的階梯化的人才培養、專業的舞美、燈光、宣傳、管理、運營團隊，我們導演就可以從現在“半制作人半導演”的狀態中解放出來，回歸純粹的創作本身。

傳統文化的吸引力刻在觀眾的文化基因里

羊城晚報：《沙灣往事》演了十年，《只此青綠》演出超過200場，但相比較百老匯或倫敦西區幾十年如一日上演的經典劇，中國的舞劇作品如何才能超越周期，常演常新？

周莉亞：從方方面面保持你的嚴謹。

首先，創作沒有固有路徑，我與韓真的每一部作品都是踏踏實實地去做，我們在創作中真真正正地付出了所有的時間，觀眾能感受到你在作品中的真誠。比如，《詠春》我們從2019年年底立項策劃，從取材、采風、查證，確定創作思路……每一步都要花費功夫。包括我們的演員，詠春拳他們學了一年多，我們才開始正式排練。

每一部作品在創作時，就已經成為我們生命的一部分了。進入巡演階段后，我們也會持續跟進，確認方方面面的規矩和細節后，才慢慢移交給執行導演，要確保每一場的演出狀態都是“活”的。

另外，相比較其他舞臺劇，舞劇的演員更替頻率會更高。《只此青綠》現在要有二隊了，明年可能出國演出，我們要求二隊的演員必須準備好至少兩個半月的排練期，專心致志、全情投入，而不是把動作學下來就ok。

羊城晚報：六部舞劇作品中，基本都講述了民族故事或者有非遺元素蘊含其中，讓它們跟舞蹈結合的創作路徑是機緣巧合下形成的，還是有意識地往這個方面結合？

周莉亞：機緣巧合是一方面。比如《詠春》里的香云紗片段，我們到佛山采風時剛好是7月，我們親眼目睹曬晾場上皮膚黑黝黝的勞動女性戴著斗笠在那兒勞作，那一刻你能夠真正感受到嶺南這片土地上勞動女性的強烈生命力。她們與我們之前在《漁光曲》和《雨打芭蕉》中表現的女性截然不同，所以我們一定要把這個元素用進去——在我們了解到它是非物質文化遺產之前，它已經觸發了我們的創作欲。

當然，對于傳統文化，我和韓真都是非常熱愛的，因為熱愛，你的關注點都會往那兒走，它也會激發你。所以，我覺得不是刻意為之，而是你喜歡它，你基于你純粹的創作欲望出發，你也會選擇它。

羊城晚報：香云紗片段在觀眾的劇評里也頻頻被提及。這樣看來，它不僅是吸引了你們創作者，最終也吸引了觀眾。

周莉亞：對，傳統文化對于中國觀眾的吸引力是埋在骨子里的，當它被恰當地表達出來的時候，我們自然而然就會被吸引。所以，創作者要真正了解你要創作的題材背后蘊含的文化，你感受到的越細越深，你把它表現在舞臺上的時候，觀眾越能看到、越能共情共鳴。

每次突破都要避開“成功經驗”

羊城晚報：十年打造六部大型舞劇，你和韓真老師對于自己的創作是否有階段式的大總結？

周莉亞：我們會對作品不斷復盤，但階段式的總結并沒有，十年對于創作者來說依舊很短。不過，我們兩個的作品很電影化、有很多電影化的表達，而且從《永不消逝的電波》開始，我們的作品幾乎不會再有機械化的分幕，總體上都是很連貫的……這些可能都是一些特質。

羊城晚報：如今，你們在創作上是更自由，還是更戰戰兢兢了？

周莉亞：有自由的一方面，因為你的選擇更多了，可以更從容地去選擇自己想要創作的題材。但是戰戰兢兢、如履薄冰，我覺得是創作者在每一次創作時都應該秉持的心態。每次創作都是從零開始，你都會面對可能的失敗，沒有永遠的成功者。這種敬畏心能夠更好地觸發你去竭盡全力地做一件事情。

羊城晚報：所以，現在每次推出新作時，是否依舊忐忑大于興奮？

周莉亞：非常忐忑！每一次我們自己都很糾結——我們希望能有所突破，但這種突破，就要求你要避開過往的所謂成功經驗。比如《永不消逝的電波》之后，幾乎所有我熟知的諜戰片，都通過各種形式邀約過我們做舞臺化改編。但我們沒有接，我們放下這個敘事性很強的作品，轉身創作了《只此青綠》這樣一個大寫意風格的作品。

《只此青綠》后，又有很多古畫和文物的題材邀約我們，但是我們選擇了武術題材的《詠春》，區別于《只此青綠》里宋代的靜和留白的美，《詠春》是有力量的，是燃的，也是敘事性的。而且，我們選擇了雙線雙空間交織的這樣的一種方式。

開玩笑地說，我們是時常給自己挖坑的創作者，也時常差點把自己埋里頭，所以，肯定忐忑。

羊城晚報：創作者的難也在于盡管竭盡全力地不重復自己，但仍會有觀眾得到了“我在《詠春》當中看到了《沙灣》和《電波》”的觀感。

周莉亞：其實我們一直在和自己較勁兒，強烈地想讓自己脫離舒適圈，努力地避免路徑依賴。我們一直在想“不一樣”，但你會發現要想做到這個“不一樣”，很難。

我們不是在為自己開脫，一個人身上的成長印記和環境塑造抹不掉，就像我是四川人我喜歡麻辣口味，韓真是山東人她喜歡面食。每個導演都會有自身的風格和印記，處理得好這會形成風格，處理不好那可能就是枷鎖。

羊城晚報：兩位的合作模式在業內幾乎是獨一份。二位會把“雙人舞”一直跳下去嗎？

周莉亞：小體量的作品我們都是分開的。在做大體量作品時，如果我倆的合作能夠呈現更好的作品，能夠給行業做出更好的貢獻，這個意義大于一切。只要我們還有這樣全力以赴的創作欲，我們就會走下去，其他因素在我們這兒都不會成為干擾。

“讓創作環境一直處在合適的水溫里”

羊城晚報：合作過諸多優秀的舞者，在你看來什么樣的特質對舞者來說是至關重要的？

周莉亞：我希望我們的舞者是全面的、成熟的演員。我可以跟他探索更多藝術層面、精神層面或者是藝術表達層面的東西，而不是每天跟他說“腳要快半拍，手臂直一點”，那會很枯燥的。

好的演員是導演可以用提問或者對話方式去和他溝通，他用他的肢體和思想來回答你。成熟的演員可遇不可求，欣慰的是，很多我們遇到的年輕演員，也能在創作中飛速成長。我記得張翰在跳《只此青綠》第50場的時候，給我發了個信息，他說“在臺上，我覺得我是希孟了”。這讓我很感動。

羊城晚報：哪些特質對于舞劇編導來說格外重要？

周莉亞：這是一個細究起來極為復雜的問題，但歸根結底，就是用作品來回答一切。作品里能看見你的人格秉性，你的喜愛偏好。

編導是一個作品的核心、領頭人一樣的存在，你是什么樣的，你的團隊就會是什么樣的。作品就像創作者的自畫像，你若不夠真誠，觀眾必然感覺到敷衍。所以，所有的一切都呈現在作品里了。

羊城晚報：2022年，大型舞劇在所有的演出門類票房前10榜中占了三席。《只此青綠》更是奪魁。依你來看，眼下舞蹈的水溫夠熱了嗎？

周莉亞：我覺得被大眾看到、被大眾喜歡，是舞臺劇發展的必然途徑和過程。作為我們自己來說，則需要自我降溫。我們非常希望作品和演員被更多觀眾看到和喜歡，但是更希望大家用一種平常的心態走進劇場去欣賞藝術作品，而不是打卡式的圍觀。

當然，很多東西你無法改變，但你可以調整自己的心態。我個人希望舞劇能“一直在柔和的溫水里”，溫水更平靜、更潤物細無聲一些，過熱的狀態，對于我們創作者來說，也像是雙刃劍。

羊城晚報：如果請你給“舞蹈”下一個私人定義的話，那會是什么？

周莉亞：舞蹈是表達的一種途徑，我用它來傳遞和表達我內心的感受和我的所思所想，包括我對傳統文化的喜愛。

羊城晚報：對于舞蹈這個行業，你有什么樣的愿景？

周莉亞：我希望舞臺劇創作更加多元化，我希望更多好的作品和好的創作者，能夠被更多觀眾所喜愛。另外，我也希望觀眾能夠以更開放的思維和心態，去欣賞不同表達的作品。我們不能拿著非常固定的思維去看所有作品。就比如，如果你帶著傳統的眼光和心理期待去打量馬修·伯恩版《天鵝湖》和《灰姑娘》，那你不僅無法欣賞這些顛覆性作品的內涵和美，還會陷入“天鵝怎么了”“灰姑娘在哪里的”的追問中。那對于觀眾和創作者來說，都是痛苦的。